Catedral - Catedral (1994)

Existe en el municipio de Chía (Colombia) una casona antigua enclavada en la zona céntrica del pueblo. Allí han funcionado bares, venta de artesanías, centros de adiestramiento canino y hasta el Instituto Triángulo lo usó como sede. Durante los años 90 fue conocido como Eclipse y tuvo su punto cúspide cuando en una noche logró reunir a los principales exponentes del rock Bogotano del momento: Marlohábil, Aterciopelados y por supuesto, Catedral, entre otros que no recuerdo. Allí, muchos de los jóvenes asistentes tuvimos nuestro primer contacto con el ambiente de la música en vivo, aunque también debo reconocer que el recuerdo más vívido es ver a una pareja de amigos en pleno proceso de terminada siendo iluminados en pleno por el reflector al tiempo que una voz en off ofrecía un cordial saludo a la hermosa pareja… A veces la vida es una bromista muy cruel.

Catedral nace a principios de los años 90 en la ciudad de Bogotá, liderado por Amos Piñeros y con un sonido claramente influenciado por bandas como Pearl Jam y Soundgarden y que pronto se convirtieron en un referente de la escena grunge de la ciudad.

En 1994, con la producción de José Gandour (productor musical y de videoclips, manager de bandas como Pornomotora y Los Telebolitos y columnista de prensa , entre otras tantas actividades) publican su álbum autotitulado Catedral, cuyas letras tienen un marcado sentido social y narran historias muy urbanas. El álbum abre con Redes Rojas, una canción acerca de engaños y mentiras. Se hizo famosa en razón a que fue durante muchos años la cortinilla usada en el desaparecido programa 4 Canales de la entonces 99.1fm Frecuencia Jóven de la Radiodifusora Nacional, hoy Radiónica; dedicado enteramente al rock colombiano. En la versión 20009 de Rock al Parque, dentro del tributo que se hizo a las bandas nacionales se volvieron a escuchar sus acordes.



El Dictador bien puede ser la confesión de un tirano venido a menos que solo espera el momento de recibir la sentencia por cuenta de sus crímenes, si acaso algo arrepentido. En El Paletero se manifiesta la nostalgia que un vendedor de helados y su música característica puede generar, sobre todo en un niño.

Flotando al viento es una canción de amor y tiene la letra más sensata que he escuchado en mucho tiempo, es algo así como te amo, pero no te puedo retener a mi lado, y te amo tanto, que prefiero dejarte libre para que seas feliz… no tengo más palabras, salvo que es una canción preciosa.

Los cinco o seis últimos bajos de regalo, corresponden a Tártaro, que al igual que No hay realidad todo esta ido -una canción de dos estrofas repetitivas- manifiestan la incorfomidad ante la vida, ante las cosas que suceden en el día a día ante las cuales no se hace nada, sobre todo si las injusticias son ajenas.

Dice la historia que El poeta está dedicada a un mendigo que escribía sus versos y que un día apareció asesinado en la calle probablemente a manos de la policía ("a patadas lo matamos sargento, que placer!"), un merecido homenaje a los habitantes de la calle.



Bajo la oscuridad, narra una típica escena nocturna, una caminata en la ciudad de noche y las sensaciones que produce.

Mermelada es una canción instrumental en la que Amos Piñeros demuestra su habilidad con el violín, largamente adquirida en sus ensayos con la Sinfónica Juvenil.

Sin Pisar a Nadie es la canción menos oscura del disco, no solo por su instrumentación y los coros, sino por la letra que expresa el deseo de poder ser libre, sin necesidad de pasar por encima de nadie. La guitarra y el violín son muy buenos en este tema, casi acústico.

Picando el Cielo, empieza con una guitarra densa que se mezcla con el violín de Piñeros. Tiene cierta conexión con la anterior, pues también tiene una invitación a liberarse y ponerse en movimiento para salir adelante.



Un gran agradecimiento a Mauricio T., el sabrá por qué.

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Arctic Monkeys - Los Singles

En el año 2006 el trabajo era más bien escaso, por lo que acepté un empleo de "Trabaje desde su casa". Mientras cumplía con la tediosa labor asignada, y para no reventar mi pobre PC, durante el día entero escuchaba Radiónica, mi estación de radio preferida. Debido a esa escucha ininterrumpida, descubrí nuevos sonidos, muchos de ellos muy interesantes, sobre todo una canción que habla de cómo las cosas cambian cuando se oculta el sol…

Arctic Monkeys me cautivó por la fuerza de su batería, por el sonido de guitarras pronunciado y salpicado de punk, por ser divertido. A la fecha, han publicado ya tres álbumes "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" en 2006, "Favourite Worst Nightmare" en 2007 y el más reciente "Humbug" en este 2009, con una tendencia muy similar a los australianos “The Vines".

Sin embargo, han publicado varios sencillos que vale la pena reseñar:

Five Minutes With Arctic Monkeys
(Mayo 30 de 2005)
Curiosamente, la duración total de este sencillo no es de cinco minutos, sino de 6:10…
1. Fake Tales of San Francisco es una sátira a una banda británica que pretende ser lo que no es, y que busca un sonido inspirándose en los Estados Unidos, a pesar de que nunca han estado allí.
2. From the Ritz to the Rubble narra una noche de parranda, y bueno, reúne los pocos recuerdos que pueden quedar al día siguiente.

I Bet You Look Good On The Dancefloor
(Octubre 17 de 2005)
1. I Bet You Look Good On The Dancefloor, es una canción muy rápida, un flirteo abierto y sincero sobre una pista de baile.
2. Bigger Boys & Stolen Sweethearts es una divertida canción que presenta un típico triángulo amoroso: el muchacho común y corriente que está enamorado de la chica popular, quien a su vez es la novia del chico igualmente popular, de forma que el eterno enamorado (nunca tan popular ni tan apuesto) solo le queda tratar de convencerse a sí mismo, que está mejor sin ella.
3. Chun Li's Spinning Bird Kick es un tema instrumental, donde se aprecia claramente el sonido de la guitarra típico de estos monos árticos.

When the Sun Goes Down
(Enero 16 de 2006)
1. When the Sun Goes Down. Las cosas cambian cuando se oculta el sol… una historia de prostitución, dinero y la vida nocturna.
2. Stickin' to the Floor, en la mitad de la pista de baile, y ella considera que ninguno de los presentes tiene el suficiente estilo, para invitarla. Es la canción más corta, con apenas 1:18
3. Seven habla de la posibilidad perdida con una hermosa mujer por culpa de la timidez.
4. Settle For A Draw, es un sabio consejo, sobre todo si se trata de una discusión con una mujer: busca el empate.

Who the fuck are the Arctic Monkeys?
(Abril 24 de 2006)
1. The View From The Afternoon habla de un tema recurrente en las letras de los Monkeys, una noche de fiesta y todas las situaciones que se pueden presentar: niñas de dusosa reputación asomándose por la ventana de la limosina, un jugador que lo pierde todo, una noche que parecía perfecta y termina siendo un fiasco.
2. Cigarette Smoker Fiona es tal vez una niña rica, a la que solo le interesan las fiestas en su casa, nada más.
3. Despair in the Departure Lounge es la historia de un hombre que se va de viaje poco después de separarse de su mujer, y la sensación de vacío y soledad que le produce estar allí, en una sala de espera necesitándola, pero sin poderla llamar, simplemente, porque ya no está.
4. No Buses, una preciosa canción dolorosamente cierta que hace una analogía que todos hemos usado alguna vez “cuando esperas tu autobús, no pasa ninguno, cuando no esperas ninguno allí estarán todos". Así que ella se da cuenta que ahora que espera a su amor, no hay nada alrededor suyo.
5. Who The Fuck Are Arctic Monkeys? Aunque la letra puede sonar un poco egocéntrica e incluso petulante, es un tema que dice algo muy sencillo: todos siempre buscan un éxito de temporada y piensan que descubrieron algo nuevo, cuando ya existía desde mucho antes, y tal vez pasen cinco años y la gente se pregunte ¿Quién c*****s son los Arctic Monkeys?"

Leave Before the Lights Come On
(Agosto 14 de 2006)
1. Leave Before the Lights Come On habla de cómo es posible levantarse al lado de alguien a quien no se ama debido a como empezaron las cosas, así que es mejor levantarse, e irse antes que se enciendan las luces.
2. Put Your Dukes Up John, original de The Little Flames, es nada más y nada menos que una invitación a pelear.



3. Baby I’m Yours, fue escrita por Van McCoy para la cantante Barbara Lewis en 1965, y que ha sido versionada por diversos artistas (Peter & Gordon, Jody Miller, Linda Lewis, Debby Bone, Cher y por supuesto, los Arctic Monkeys). Es una canción que conserva el sonido original, llena de romanticismo y la promesa de amor eterno.

Brianstorm
(Abril 2 de 2007)
1. If You Found This It's Probably Too Late, tiene una introducción sinfónica que contrasta de una manera exquisita con el resto de la canción que tiene una clara influencia punk, tanto en su sonido por su duración (poco más de 1:30). La letra sigue la misma línea de Who the fuck..., buscando la sinceridad en sus letras y actitudes.
2. Brianstorm es una descarga de energía, suya letra hace referencia a esos personajes que sin mucho esfuerzo, están arriba, y miran con desdén a todo aquel que no esté a su nivel.
3. Temptation Greets You Like Your Naughty Friend, la tentación te saluda como un amigo travieso… ese amigo que no quieres a tu lado pero que tampoco puedes evitar. Cuenta con la participación del rapero británico Dizzee Rascal.
4. What If You Were Right The First Time? Es una letra que se basa en la incertidumbre acerca de una mujer, ¿será que esta vez sí? ¿Cuántas veces nos hemos hecho la misma pregunta?

Matador / Daframe2r
(Junio 18 de 2007)
1. Matador es casi un tema instrumental, con una letra muy corta que describe una situación sencilla: El chico ama a la novia del matador, pero el matador es infiel, así que el chico quiere rescatarla, pero no sabemos si al final se decide…
2. Da Frame 2R, posiblemente tenga alguna relación con Brianstorm, es un típico conquistador y mujeriego.

Fluorescent Adolescent
(Julio 9 de 2007)
1. Fluorescent Adolescent es tal vez una referencia a un cambio drástico en la vida, que poco a poco se vuelve aburrida y vacía y se inunda de recuerdos de un pasado mucho mejor.
2. The Bakery relata la sensación de un hombre común que se encuentra cada vez con la mujer de sus sueños, pero a quien no es capaz de hablarle, simplemente porque cree que ella jamás lo tendrá en cuenta.
3. Plastic Tramp habla de las personas falsas, específicamente aquellas que tienen su casa pero salen a la calle a pedir dinero, diciendo que viven en la calle o que tienen que alimentar a sus hijos, cuando en realidad existe gente en una situación mucho peor.
4. Too Much To Ask, es la decadencia de una pareja que parecía perfecta, y las cosas van cuesta abajo no hay forma de cambiar el fin de la historia. Otra historia dolorosamente cierta.

Teddy Picker
(Diciembre 3 de 2007)
Algo interesante acerca de este single, es el hecho de que días antes del lanzamiento de Teddy Picker, Domino Records (la disquera de los AM) anunció el lanzamiento apenas 250 copias de un disco en vinilo con dos canciones de The Death Ramps, una banda completamente desconocida y de la que la disquera solo dijo "Desafortunadamente, no estamos autorizados para decirles la verdadera identidad de los Death Ramps, pero es oportuno aclarar que se trata de una banda con un cierto romanticismo" (A Certain Romance, es la pista que cierra el primer álbum). El misterio no duró mucho, pues la tapa de The Death Ramps tenía gran similitud con la de “Matador", y en los créditos del tema Nettles aparecía “música The Death Ramp, Letra Alex Turner", guitarrista y vocalista de Arctic Monkeys. Así, pocos días después salió el nuevo single, que incluyó las canciones de esta banda ficticia.
1. Teddy Picker podría ser la versión para televisión de Fake Tales…, habla de la falsedad de las celebridades de TV.
2. Bad Woman es original de Pat Farrel & The Believers, y narra que un día ella dijo “voy a salir, regreso más tarde", pero nunca volvió y la espera lo está volviendo loco de pensar en dónde estará, o si simplemente, planea seguir viviendo sin él. Muy oscura, similar a la versión original, de la que sólo conseguí escuchar un fragmento en Amazon.com
3. The Death Ramps, compuesto por The Death Ramps, es un tema instrumental muy coherente con la pista que la antecede, oscura, densa, con guitarras distorsionadas, y valga la pena decirlo, muy consistente con el sonido de Arctic Monkeys.
4. Nettles, es un muchacho que por circunstancias de la vida termina poniéndose del lado de la gente equivocada, tal vez tratando de encajar. Es una canción con un ritmo frenético con una muy fuerte influencia punk.

Crying Lightning
(Agosto 17 de 2009)
1. Crying Lightning. Acostumbrados a canciones muy fuertes con una batería sobresaliente, los Arctic Monkeys sorprenden con un tema un poco lento y oscuro. Tiene una letra bastante metafórica, pero en esencia habla de una mujer que usa sus trucos de magia para atraer a los hombres, y que piensa en sí misma como una mujer madura, pero que a la larga, sólo es una chiquilla malcriada.
2. Red Right Hand (Nick Cave & The Bad Seeds). En la misma línea del sonido oscuro, está este cover de Nick Cave, una canción con una lírica igualmente oscura que bien puede haberse inspirado en "El Paraíso Perdido" de John Milton, o en Randall Flagg, el antagonista de la novela "The Stand" de Stephen King, que describe un ser que puede dar todo lo que se le pida, pero a cambio, la pérdida puede ser mucho mayor. No en vano fue incluida en la banda sonora de Scream.



3. I Haven't Got My Strange, es tal vez la letra más compleja, pero tal puede referirse a una relación de sexo casual, de una sola noche. ¡Acepto comentarios!

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Ciegossordomudos – Ciegossordomudos (1999)

2009 es el año del retorno del trío conformado por Alejandro Gomez-Cáceres, Pablo Bernal y Jota García con un álbum llamado “En Paz”, el cual se convirtió en todo un éxito, con un sonido melódico y mucho más limpio.

Sin embargo, además de trabajar en otros proyectos como Aterciopelados, Carlos Vives y La Provincia y Sonorama, la banda ya venía trabajando desde los años 90 y usando un nombre que representaba “lo difícil que era hacer música en esa época; es decir, ¿más complicado para un Ciego sordomudo para dónde?”; en 1999 de forma independiente publicaron su primer álbum, autotitulado “Ciegossordomudos”. Conformado como un power trío, se caracterizaron por un sonido fuerte, tanto de la guitarra como de la batería, y la voz un poco desgarrada, usando elementos del grunge y el funk entre otros.

Aunque algunas de las letras no tienen un significado concreto, en general se puede decir que “Calcetos” es la historia de una cenicienta que al contrario del cuento, no hubo quién la sedujera así que ella se va a dormir; “Cuidado”, es un ejercicio donde todas las líneas finalizan en “al”, y como dice la misma letra «algo puede andar mal, cuando todo termina en al»; “Estrella”, cantada tal vez a una mujer “doncella, plebeya, es ella y no va cambiar” y que tarde o temprano se va a estrellar.

“Cronológico” es una visión de lo que sería el ideal de vida para cualquier persona, pero que obvio, en este país es imposible para el común de la gente (y diez años después, las cosas siguen igual…), un poco en concordancia con “Carrusel” una espiral donde todo se repite una y otra vez para llegar siempre al mismo punto.

“Club” es una canción lenta, con un sonido un poco experimental y la letra parece más una canción para invitar a la gente a que desocupe el local y se vaya a dormir.

El “Triptico” es un tema que dura 14:29, en donde se combina el rock crudo (que incluye «que llueva, que llueva, la vieja está en la cueva», un fragmento de sonido atmosférico que emula la sensación de ir volando y finaliza con una versión libre de “Foxy Lady”, de Jimmy Hendrix.



El disco finaliza con “Conclusión”, que contiene tres fragmentos, los dos últimos como pistas escondidas: La primera es un tema instrumental bastante melódico; “Mi rostro en el espejo”, un funk con una historia al estilo de Alicia en el País de las Maravillas viajando a través del espejo, que se funde con la última canción, una especie de versión-libre-jam-celebración con “Nochecitas Mexicanas” incluida. En la musicápsula encontrarán las dos opciones: la pista completa de poco más de 9 minutos, y las tres canciones separadas sin el silencio entre ellas.

Personalmente, me gusta mas éste trabajo que “En Paz”, que pueden escuchar aquí

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Alice In Chains - Unplugged (1996)

Los años noventa fueron sin duda una época de cambios en la música. Cambiaron los peinados, cambiaron los sonidos, cambió la estética, cambiaron las letras. Y dentro de esos cambios, el que noto más marcado y que me atrapó definitivamente, fue el sonido lento, oscuro, carente casi por completo de brillo, con letras que tienden a la actitud autodestructiva.

Provenientes de Seattle e influenciados por el glam de los años 80, principalmente por Black Sabath, Alice in Chains se convirtió junto con otras bandas contemporáneas en exponentes del Grunge de los 90. El Unplugged, es la última grabación realizada con su cantante original Layne Stanley, quien tras varios años de problemas de drogas (se dice que acentuada considerablemente por la muerte de su novia en 1996, debido a una enfermedad cardiaca), moriría en 2002 a los 34 años víctima de una sobredosis de heroína y cocaína.

El show abre con Nutshell (Jar of Lies, 1994), y define el ritmo general del unplugged, pausado, denso, oscuro, que refleja el contenido de la letra que habla de la soledad, de la lucha personal por salir adelante, aguantando.

Brother (SAP, 1992), escrita por Jerry Cantrell (guitarrista de AIC) para su hermano, con quien la relación nunca fue la mejor debido a que su familia era de padres separados y su hermano menor se fue a vivir con su padre, por lo que dejaron de verse por tal vez más de 5 años, así que es una especie de reconciliación con él.

No Excuses (Jar of Lies, 1994), puede tener un ligero matiz que roza con el tema del abuso de drogas, pero más parece una canción de amistad, escrita por Cantrell a Layne enfrentándolo a su problema y diciéndole que no hay excusas para lo que se está haciendo a sí mismo. Como dato curioso, incluyen un fragmento de la introducción de Enter Sadman, de Metallica.



Sludge Factory (Alice in Chains, 1995) es una canción a la que –como a la mayoría- se les relaciona con el tema de drogas. Sin embargo al leerla detenidamente puede leerse entre líneas el tema de la falsedad, los amigos por conveniencia, las felicitaciones banales y con intereses subrepticios.

Down in a Hole (Dirt, 1992) es una de las canciones más crudas y depresivas que he escuchado, sin embargo es de las que más me gustan. Es indiscutiblemente una canción que habla de un momento en que la sensación es como en el fondo de un pozo, del que no hay una salida visible, en la que se nota la desesperación por ser alguien que no pudo ser, y que tal vez, ya sea demasiado tarde. Mi cita favorita “I’d like to fly, but my wings have been so denied” (Quisiera volar, pero mis alas han sido negadas).



La letra de Angry Chair (Dirt, 1992) debe leerse entre líneas, es decir, a primera vista parece hablar de un condenado a la silla eléctrica, y quien hace sus reflexiones finales. Sin embargo es una sería una interpretación demasiado superficial, teniendo en cuenta que la mayoría de temas de AIC se internan mucho más allá. En lo personal pienso que es una metáfora acerca de la forma en que hay momentos que crean la sensación de estar atado, encerrado y condenado a muerte.

Por el contrario, Rooster (Dirt, 1992) tiene una letra muy directa, en una clara alusión a los horrores de la guerra, relacionados con las experiencias de Jerry Cantrell padre, quien fue soldado en Vietnam. Esta interpretación se hace evidente con el sonido de redoblantes presente en la versión de estudio.

Got me Wrong (SAP, 1992) es un tema de amor, de malos entendidos a pesar de haber formado algo que parecía fuerte y estable, la eterna lucha razón-sentimiento cuando no se ponen de acuerdo, las decisiones ¿equivocadas? que se toman…

Heaven beside you (Alice in Chains, 1995), es tal vez otra canción de amor muy oscura, que habla de los problemas y la forma en que siempre se intentan minimizar, o simplemente ignorarlos, usando la filosofía “el cielo está a mi lado, el infierno va por dentro…”. Me gusta mucho la estrofa “So there's problems in your life, Thats fucked up, and I'm not blind, I'm just see through faded, super jaded, And out of my mind” (Hay problemas en tu vida, eso te jode, pero no soy ciego, sólo veo a través, hastiado, fuera de mi mente).

Would? (Dirt, 1992) plantea la pregunta clave en su última estrofa “¿Si yo lo hiciera, tu serías capaz?”. Creo que cualquier interpretación debe darse dentro de un contexto muy concreto para obtener la respuesta.

Frogs (Alice in Chains, 1995) es una canción de amistad, o tal vez, de soledad, de cómo poco a poco la soledad va inundando todos los rincones hasta que te das cuenta de que hay que despertar, de que algo hay que hacer, de que hay una nueva oportunidad.

Over Now (Alice in Chains, 1995) habla de una relación fallida, en la que la invitación es “mírame, y dime que ya todo terminó”.



El bonus track del show es Killer is Me, se me ocurre otra metáfora, que simplemente indica que no es necesario tener un arma en la mano para ser un asesino.

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Gustavo Cerati - 11 Episodios Sinfónicos (2001)

Es imposible no sentir la piel de gallina al escuchar cualquiera de estos episodios extractados ya sea de Soda Stereo o del propio Cerati, que si bien conservan en gran medida el sonido original, las versiones sinfónicas calan profundamente. Es igualmente difícil poder dar un significado concreto a cualquiera de sus composiciones, ya que Cerati acude constantemente a la libre asociación, dando como resultado letras que pueden tener diversos significados, de acuerdo con el oyente, el momento, la compañía….

Canción Animal abre el disco, publicada en el álbum homónimo de 1990, es una canción de por si bastante sensual (como muchas otras) pero que con arreglos con un cierto aire árabe, se intensifica su mensaje: el amor no es un sentimiento sino un instinto básico y primordial, que llega y se siente cuando menos se lo espera, es simplemente una invitación a la lujuria.

Bocanada fue el segundo álbum de Cerati en 1999 y ha sido considerado uno de sus mejores trabajos por sus letras poéticas, profundas, acompañadas de un sonido que podría llamarse experimental. La canción que le da título es también el segundo episodio. Una canción que habla del momento en que todo lo que había por decir se ha dicho y cualquier otra cosa se desvanece como el humo.

Corazón Delator, del álbum Doble Vida de 1988, siempre ha sido uno de mis favoritos, por su sonido pausado, por su letra simbólica, inspirada en la historia homónima de Edgar Allan Poe, por contarnos que no hay forma de guardar secretos porque siempre habrá un latido acusador que nos obligue a confesar un crimen, o un amor secreto.

Signos de 1986, considerado uno de los mejores de Soda Stereo aporta El Rito. En su versión original tiene el color particular de la banda, así que los arreglos sinfónicos le dan un nuevo sonido, sin perder su esencia. El Rito lo entiendo como una declarada intención de romper los esquemas, de acercarse cada vez más hasta llegar el fondo, de finalmente lograr todo de ella.

A Merced pertenece al primer disco de Cerati –Amor amarillo, 1993- publicado en un momento en que las cosas con Soda Stereo no marchaban del todo bien. Ambas versiones, aunque cada una con su propio sonido y color expresan claramente esa pérdida de la voluntad propia que permite quedar A Merced...

Raiz también fue extractado de Bocanada, una canción de amor profundo, tan profundo como las raíces de un árbol que jamás podrá ser desenterrado.

Sweet Sahumerio (Dynamo, 1992), es una forma muy metafórica de describir a una mujer, la verdad me quedo sin palabras.

Desde que apareció Signos por allá en 1986, Persiana Americana se convirtió en una de las canciones más difundidas de Soda Stereo, y tal vez una de esas canciones que todos tararean o cantan a plena voz pero pocas veces entendidas. La letra nos describe un juego, entre el mirón que se atrinchera tras sus persianas, y la mujer que sabe que es observada y sigue el juego esperando hasta dónde llegará todo.

Verbo Carne, es una confesión de fe, aunque no necesariamente religiosa, o tal vez justamente lo contrario, la pérdida de la fe por el miedo, aunque aun quede un poco de esperanza.

Un millón de años luz tiene una frase que me parece la piedra angular: No vuelvas sin razón, yo estaré a un millón de años luz de casa. Aquel que se va, debe tener una buena razón para regresar pero así mismo debe tener en cuenta que tal vez, el que estaba ya se fue, o simplemente no es el mismo. Aparece originalmente en Canción Animal.

Signos me hace pensar en esas personas por alguna razón no se muestran plenamente, con lo que los demás solo pueden tratar de formarse una imagen somera a partir de fragmentos, que intentan amar pero que sienten que hay una barrera infranqueable por lo que la única salida es enviar pistas…. signos.


En general, 11 Episodios Sinfónicos es una muy buena pieza de colección, que invita al relax y ojalá una buena compañía para disfrutar al máximo de la sensualidad que caracteriza este disco, donde la voz de Cerati se muestra en toda su magnitud. Y de muestra, a continuación los 11 Episodios No Sinfónicos, las once canciones en sus versiones originales!!



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Portishead – Live: Roseland NYC (1998)

Durante los años 90 se generó en Inglaterra el Trip-Hop, una propuesta musical electrónica, cargada de sonidos melancólicos, voces oscuras y casi carentes de brillo. Grupos como Massive Attack, Morcheeba, Moloko y Portishead fueron sus exponentes más destacados.


En 1998, Portishead realizo una presentación en el teatro Roseland en Nueva York el cual fue publicado en formatos de audio y video (en el CD se publicaron 11 canciones, mientras que el DVD contiene 16); Trip-Hop combinado con una orquesta sinfónica, con lo que lograron transmitir todo el romance y la melancolía que caracterizan sus letras.

Humming
Además del sonido hipnótico-cuasi extraterrestre, la letra me hace pensar en la sensación que queda después de hacer el amor con esa persona con quien hace mucho tiempo no estabas… “…Naked, My thoughts are creeping, Too late, The show has begun…”, algo de culpa, algo de melancolía…


Cowboys
En general pienso que es una especie de “tu me hiciste daño, ahora el destino se encargará de cobrártelo”, una alusión directa a la conquista del Oeste norteamericano, pero se le puede poner un tinte político, y sería perfectamente actual….


All Mine
Una de mis favoritas, cuya letra expresa ese deseo profundo, esa súplica, esa certeza de que por siempre y para siempre será “todo mío”, o mía en mi caso, esa promesa de que nada podrá hacerte daño… esa obsesión que inunda los sentidos… La música completamente sensual es perfecta para estar con una buena compañía junto al fuego… el resto queda a su imaginación.


Mysterons
Los Mysterons era una raza de extraterrestres, enemigos del Capitán Scarlet en el programa de los años sesenta “El Capitán Scarlet y los Mysterons”. Aunque la música de aquella serie no se parece en nada al tema de Portishead, el fundamento del show era la ambigüedad “los mysterons son realmente los malos?”… Tal vez, Portishead nos dice algo parecido cuando pregunta “Do you really want?”, enmarcado en una atmósfera sonora de ciencia ficción.





Only You
A pesar de la primera impresión que genera el título, Only You tal vez no sea realmente una canción de amor… es más bien una posición respecto a la vida, a nuestra propia humanidad


Half Day Closing
Es tal vez una de las letras más depresivas, habla de los sueños y los amores idos, reemplazados por el dinero, cantada con una voz que denota pura frustración, que contrasta con el sample final…


Over
Esta canción tiene varias interpretaciones, sin embargo todas giran en torno a ese instante en que la indecisión y la incertidumbre empiezan a tomar el control. El intro con la guitarra acústica y la voz de Debbie crean una atmósfera perfecta.


Glory Box
Beth Gibbons nos dice que está cansada de los juegos y que sólo espera poder ser una mujer y que su hombre sea alguien que pueda estar a su lado y ver desde su perspectiva… Teniendo en cuenta que la expresión “Glory Box” se refiere a una caja en la que las mujeres guardan sus pertenencias antes del matrimonio, podría pensar que es además una mujer que ha encontrado el hombre a quien entregarle su corazón (For this is the beginning of forever and ever, It's time to move over...), ésta última interpretación me gusta. Junto a All Mine, son las canciones que me gustaría poder compartir con una buena compañía.


Sour Times
Cuando con el tiempo se descubre que aquel que ya no está era realmente la persona indicada, a pesar de que se intente negarlo, es la idea principal de Sour Times… Cuantas veces ha pasado?


Roads
Es tal vez la más melancólica, habla de la soledad y de cómo a veces hay que enfrentarse a las cosas que están mal, aunque nadie más lo quiera reconocer.


Strangers
A veces nos invade la sensación de estar hablando con un extraño, esa sensación de que los dos nunca podrán ver las cosas desde el mismo ángulo, simplemente porque cada uno ve las cosas desde su propio punto de vista…


A continuación incluyo los videos de los temas no incluidos en el CD: Seven Months (un amor perdido), Numb (la batalla diaria en las relaciones con los demás), Undenied (una declaración de amor) y Elysium (fe en la verdadera felicidad). Western Eyes se las quedo debiendo.







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Panteón Rococó – 10 Años Un panteón muy vivo (2005)

Desde México llega Panteón Rococó una banda de la que tenía apenas vagas referencias, y que fue invitada por segunda vez a Rock al Parque en Bogotá el pasado 2008. Escuchando los discos de estudio, no queda duda de que tienen una energía y una fuerza impresionante, pero no me cabe duda de que es una banda para ver, disfrutar y bailar en vivo, como este concierto grabado en el Foro Sol de Distrito Federal al cumplir 10 años.

El arranque es simplemente espectacular con un intro donde Luis Román agradece a todos, dándole paso a mi canción favorita “Dime”, una pregunta esencial que muchos nos hemos hecho una y muchas veces en la vida, pero de la que tal vez nunca hemos sabido la respuesta; un cuestionamiento primario “dime que piensa él cuando lo besas pensando en mi?”. Continúa con “La ciudad de la esperanza”, hábilmente mezclada con el clásico “Malbicho” de LFC., cuya letra se puede aplicar fácilmente a cualquiera de nuestras ciudades. Algo similar pasa con “Reality Shok” que habla de la constante alienación generada por lo que nos imponen a través de nuestros televisores…

Después viene un bloque de canciones que invitan a divertirse, a reaccionar, a no quedarse callados ni a comer entero; “Páralo”, una advertencia antes de que sea muy tarde para darse cuenta de que “muerte es todo lo que te rodea, si tienes la piel morena, o si te atreves a pensar”, y que tiene un coro muy pegajoso: páralo, y vuelve a empezar, “Gente Reacción” con el mejor mensaje de tolerancia que he escuchado: todos somos iguales y todos somos exactamente y completamente diferentes, “Xeno” voy caminando y por mi vida yo voy luchando, y en la ciudad yo voy cantando hasta encontrar un mundo mejor, por eso yo quiero ir bailando hasta gritar que ya soy libre…

“Asesinos” y “Mercenario”, hablan de personajes que con las manos manchadas de sangre pretenden hacer creer que todo está bien. “No te detengas” se relaciona con la pasividad de algunos, cuando se puede hacer mucho por los demás. “Cúrame” es uno de los puntos más altos del disco, una canción de amor y desamor con la participación de Roco, vocalista de La Maldita Vecindad. “Pecho Tierra” es otra canción de corte revolucionario para toda Latinoamérica.

“Centerfold Blues / La Rubia y el Demonio”, son muy bien mezcladas en esta versión que bajan un poco el ritmo, la primera habla de una amante de papel, literalmente hablando, mientras que en la segunda el diablo ha sido capaz de vender su alma por esa rubia desnudista. “La Cumbia del Olvido” tiene un mensaje claro, si te vas no vuelvas. Y con la voz de Mimi Maura, “Cosas del Ayer” nos dice ya es hora de despertar pues es el momento de enfrentar todo aquello que antes nos era indiferente.

Las siguientes dos canciones también plantean dos situaciones vividas, sufridas, conocidas; en “Esta Noche” quiero brindar porque “…dejamos pasar nuestros momentos, y cansados no hicimos el intento de salvar lo que juntos construimos, los momentos que dia con dia vivimos…”, mientras que “La Dosis Perfecta” dice hoy te vas... pero sé que volverás… El cierre queda a cargo de “La Carencia”, una canción que nos habla de la pobreza que nos acosa…

Como siempre, aqui tiene su receta, una píldora cada 8 horas, y me llama en la mañana!!

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La Lupita - Pa' Servir a Ud. (1992)

La primera mitad de la década del 90 se caracterizó por un cambio radical en la música. El glam venía en decadencia mientras el grunge se iba posicionando. Y las cosas en Latinoamérica no fueron muy diferentes y nuevos sonidos empezaron a escucharse a lo largo del continente, encabezados por algunos grupos como Café Tacuba, Caifanes, Soda Stereo o Maldita Vecindad que ya venían haciendo música secundados por bandas nuevas. Muchos de estos los conocí y los disfruté en el “Violento Rancho”, una fiesta organizada por un grupo de universitarios que se hizo en las instalaciones de un… jardín infantil!!! Allí descubrí el universo del grunge y el rock alternativo, y me enamoré perdidamente de él.

Y dentro de todo lo que pude escuchar aquella noche, lo que más recuerdo es este disco, Pa’ servir a Ud., el primer álbum de La Lupita de México, publicado (según el copyright) en 1992, en que se mezclan hábilmente el rock, el punk, el funk, el pop, el mambo e incluso los corridos.


La primera canción es una adaptación -un poco onírica- de tema del programa de TV de los años 60 “El Rey Leonardo”, quien con su fiel paje Florín hacían parte del show de Underdog (Supercan). Esta versión rock, hace una perfecta introducción al segundo corte del álbum, “La mañana de una noche difícil” en donde creo que es intencional la similitud con el título de la canción de los Beatles “A hard day’s nigth” (La noche de un día difícil), aunque la coincidencia no va más allá. Pues con una voz aguardentosa Héctor Quijada nos describe lo difícil que es despertar después de una noche de fiesta y licor.

Los dos cortes siguientes, “El Güero” y “El Ombligo de la Luna”, podrían ser perfectamente canciones de amor, sin embargo, la primera deja ver una tremenda obsesión con su estero… el de ella por supuesto, aunque teniendo en cuenta que los esteros son pantanos…. Que será lo que quiere ver?? En la segunda la letra demuestra más un ansia de conocer más allá, más profundamente a ese “Diablo de mujer”. Como dato interesante, México es un término náhuatl que significa “ombligo de la luna”.

“¿Qué estás haciendo?” es muy directa y habla de las apariencias, y de cómo la gente pretende “hacerse respetar” por la fuerza. Interesante el final de la canción con un fragmento de “Rico Mambo” de Pérez Prado.

“El Camello”, una de las más conocidas, es la historia de un camello que al quedarse sin trabajo, decide ir a la guerra, pero resulta ser una experiencia que lo cambia radicalemente… Inicia con un sample de “Jorobita” de Cri Cri el grillito cantor, un famoso personaje infantil mexicano, y que fue publicada en 1958.


“Pa’Lariza” es otra canción de amor, seguida por “Don tejón”, la historia de un ser muy solitario, algo loco y maloliente, del que todos huyen, pero que en el fondo solo es un tejón triste porque no pudo salvar la vida de su tejona en un asalto. “Contrabando y Traición”, es una canción original de Los Tigres del Norte, referente obligado en la música popular mexicana y por ello existe esta versión rock-punk de este corrido clásico, con un excelente solo de guitarra.


“La Suerte” es la única canción de este álbum interpretado en su totalidad por Rosa Adame. Nos habla de cómo la suerte nos afecta a todos y de cómo va y viene a su voluntad. Le sigue “La Maraca” con la que lugar a dudas, cada vez que la escucho recuerdo a los hermanos Joaquín y Lucía Galán, mejor conocidos como Pimpinela…

“La Paquita Disco” el penúltimo corte, no hay mucho que decir, salvo que indiscutiblemente el video es mucho más elocuente… una de mis favoritas.


IMECA es el Índice Metropolitano de Calidad del Aire, que determina los valores de la contaminación ambiental en México. Conociendo los graves problemas existentes en el D.F., la letra y música de “Jalando Imecas” es clara, directa y contundente para cerrar el álbum.

Aqui tiene su receta, una píldora cada 8 horas, y me llama en la mañana!!

Placebo – Cabaret of Desire (2001)

Corría el año 2006. Trabajaba coordinando una cuadrilla de obreros, y en las tardes sólo quedaba la satisfacción de un par de cervezas con un amigo (el mismo del casete de 1280 Almas) en la tienda-bar donde daban crédito, y la cual estaba dotada de la más alta tecnología en las video-rockolas de moda. Y mientras daba un vistazo rápido a la variopinta selección musical, me encontré con una grata sorpresa: un video etiquetado como “Special K – Placebo”…

Por una moneda, me di el gusto de escuchar una desconocida versión en vivo de una banda que ya conocía de tiempo atrás. Así me encontré con este álbum que trae unas increíbles versiones con arreglos que intensifican la tristeza y la melancolía de hecho presentes en el sonido de Placebo, y que incluye los siguientes cortes:

Special K
Brian Molko siempre ha hecho la aclaración de que no se refiere a un cereal… realmente Special K es el nombre de un alucinógeno, aunque la lírica es más bien una metáfora acerca de los efectos que esa persona te produce, el daño que hace cuando está y la ansiedad cuando se va. Incluida originalmente en Black Market Music del 2000, esta versión es mucho más lenta y melancólica en el que las fuertes guitarras son reemplazadas por un piano con una duración de casi 6 minutos (la versión de estudio dura poco menos de 4).

Commercial for Levi
Esencialmente, es una canción de amistad, de apoyo a esa persona que está sumergida en las drogas y la letra se convierte en casi una súplica “I understand the fascination / I've even been there once or twice or more / But if you don't change your situation / Then you'll die, you'll die, don't die, don't die / Please don't die” (Entiendo la fascinación, he estado allí un par de veces / pero si no cambias tu situación / entonces morirás, no mueras / por favor, no mueras). También pertenece a Black Market Music, y no difieren mucho entre sí, y se caracteriza por tener un sonido brillante, lo que le da calidez que refuerza el mensaje de la letra.

Hang on your IQ
Incluida en Placebo, de 1996, es una canción de la que hay pocas referencias, y su letra trata de advertir acerca de la alienación que produce las drogas y el sexo, invitando a mantener la propia identidad. Las guitarras son nuevamente reemplazadas por un órgano, y aunque ambas versiones duran casi lo mismo, ésta en vivo es un poco más lenta.

My Sweet Prince
Aunque la letra en si no es demasiado compleja, si es bastante simbólica y da lugar a varias interpretaciones, aunque la más común se refiere a una ex novia obsesionada con Molko quien intentó suicidarse estando drogada, y escribió con su labial “my sweet prince, you’re the one”… La canción está cargada de tristeza, muy similar a la versión de estudio del álbum Without you I’m Nothing de 1998.

Holocaust
La edición especial de Sleeping With Ghosts de 2003, incluyó un segundo disco en el que Placebo interpretó varios covers. De allí sale Holocaust, escrita por Alex Chilton, publicada en 1978 en el álbum Third/Sister Lovers de la banda norteamericana Big Star. Las dos versiones de Placebo no son muy diferentes de la original, una canción con una letra sumamente depresiva.

Haemoglobin
Este tema también proviene de Black Market Music, y al igual que My Sweet Prince, tiene una letra muy simbólica. Normalmente se ha interpreta como un mensaje anti-racista, me parece demasiado sutil la referencia…. No tiene mayores variaciones con respecto a la versión de estudio.

Peeping Tom
En palabras del mismo Molko, esta canción “es sobre voyerismo. Es sobre ser un Peeping Tom (un mirón). Intento meterte dentro de su cabeza y hacerte sentir sus emociones y hacerte sentir comprensivo porque el único rayo de luz en su vida es espiar a esa persona en particular. La canción está llena de patetismo y es extremadamente triste”. Esta tristeza se refleja perfectamente en ambas versiones, con una voz apagada.

Teenage Angst
Angustia, miedo, depresión, sueños que tal vez no se cumplirán… Esta es tal vez mi favorita de este álbum, con unos arreglos que cambian completamente el sonido de estudio (Placebo, 1996) lleno de angustia con una guitarra fuerte, a una canción lenta, melancólica, triste y que dura casi el doble.

Taste in Men
Tiene un matiz un tanto andrógino, es una canción de súplica y dolor para que esa persona vuelva, aunque sea muy diferente de quien era antes. La versión de Black Market Music, destaca por el sonido de las guitarras, mientras que la versión en vivo es totalmente jazzera, con un saxo interpretado por el mismo Brian Molko.

Slave to the Wage
Así como Commercial for Levi, esta es una canción de apoyo y de esperanza que invita a liberarse de la rutina, del aburrimiento diario, las preocupaciones, a dejar de sentirse como una rata en un laberinto, a escapar de todo. La versión de estudio es bastante limpia, brillante, con sonidos agudos, mientras que los arreglos en vivo tienden al góspel, más lenta y con un órgano casi como único acompañamiento. En la introducción Brian Molko invita a regresar a la iglesia y ver las cosas de otra manera.

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1280 Almas – Háblame de Horror (1993)

Mientras en la radio Alejandro Sanz confesaba lo que sentía “Si tú me miras”, una Shakira de apenas 16 años ya estaba en “Peligro” y se venía la conquista italiana con Laura Pausini y Eros Ramazzotti, un buen amigo me mostró un casete comprado en Chapinero

o en el centro, no recuerdo, con una portada en blanco y negro que bien parecía una fotocopia, con la figura de un ser de dos cabezas, mitad hombre mitad mujer uniendo sus labios en un romántico beso, y con números para poderlo colorear de acuerdo con la guía. Ese casete, y ese amigo son los culpables que hoy día sea seguidor del rock, del rock colombiano, pero sobre todo, de 1280 Almas. Tiempo después conseguí mi propia copia, ya con portada a color, en un fondo amarillo brillante, y sin la guía de colores.

Iconos del underground noventero (aunque prefieran “cagarse en el underground”), mostraron un sonido opaco y crudo, con letras que invitaban a la reflexión, como la ya clásica Soledad Criminal, que habla acerca de las apariencias; Monstruos, que nos hace pensar que dentro de cada uno de nosotros habita un ser extraño, Los Perros, “tú que sabes todo sobre el bien y el mal, siempre das consejos sabes siempre hablar”; La Invasión, que menciona “crueles hordas de soldados” (no les suena a algo?); Negro Rocanrol, la mejor explicación de por qué oír rock y la también clásica Lo que puedas desear, en la que se cuestiona el materialismo y cómo las posesiones te poseen al final.

Pero las almas no es sólo crítica social, también tienes canciones de amor -muy a su estilo-, como la versión de Sabré Olvidar, original de la TNT Band (publicada en el álbum Mission Accomplished de 1969); Oh María!, dedicada a aquella muchacha loca que bailaba como obsesa; Deja de Llorar, lo que muchos quisiéramos decir: ¿si no me quieres por qué me lloras? y Háblame de Horror, una sombría visión del amor, totalmente exento de ternura. Completa este cuadro una versión bastante oscura de la canción infantil Los Elefantes, en la que las elefantas se aburren y buscan un nuevo marido.

Años después, se reeditó en formato CD, y se incluyó Simpati, un cover de Sympathy for the Devil de los Rolling Stones, con ciertas variaciones a la letra (“I SHOUTED OUT "WHO KILLED THE KENNEDY´S?" WHEN AFTER ALL IT WAS YOU AND ME”, en el original, “Y yo grite ¿Quien mato a Gaitán? Cuando en realidad fuimos tu y yo” dicen las Almas). En esta reedición, se mantuvo el sonido tosco del casete original, pero tristemente en la portada del disco, la imagen se redujo a sólo las cabezas, y la imagen completa pasó a la contraportada.

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